L’opera artistica della prof.ssa Alda Boscaro, artista internazionale, si può, e si deve, intendere come una sintesi dell’arte veneta riferita alla nostra contemporaneità. L’euresi soggettuale, sia nella pittura sia nell’incisione, mostra come Lei sia un’attenta conoscitrice ed innovatrice della nostra Arte, che a buon diritto può essere considerata una colonna portante della cultura mondiale d’ogni tempo. Le tele sono impostate su un tonalismo (caratteristica tipica della scuola veneta), composto da una ricca tavolozza e da accesi passaggi cromatici, esaltati dalla dolcezza e dalla sinuosità delle linee e dall'armonia della composizione. Su tutto troneggia la figura femminile, vista nelle più disparate pose. E’ chiaro che la donna non solo assurge, per la pittrice, a simulacro della nostra tradizione (alcune pose sembrano rendere omaggio tanto a Tiziano quanto a Bellini), ma anche diventa simbolo della realtà d’oggi, arricchendosi di semantiche intellettuali lontane dalla mercificazione a cui spesso é sottoposta: ad esempio la sensualità e la sessualità che emerge in talune opere della Boscaro deve intendersi come un connubio tra corpo e anima, assumendo perciò una connotazione nettamente contrastante con certe contemporanee rappresentazioni di basso profilo in cui è protagonista il corpo femminile. La sua pittura, seguendo questo percorso, diventa anche testimonianza sociologica del nostro tempo: non solo vi si può leggere il tema del ruolo della donna nella nostra società, ma vi compaiono anche temi come la salvaguardia dell’ambiente, minacciato dalla cementificazione e dall’inquinamento. Per rendersene conto basta infatti osservare gli sfondi, attraverso cui l’artista, pescando nella tradizione, ripropone lo schema poliscenico medioevale [la composizione, racchiudendo più scene spazio-temporali nella stessa cornice, permetteva di leggere più momenti nella stessa rappresentazione] bloccando, come in un’istantanea, due realtà che nel tempo si sono modificate, talvolta in senso negativo. In questo modo chi guarda può cogliere la trasformazione temporale operata dall’uomo, in modo tale che ognuno possa crearsi una propria opinione sociale. Questa analisi apre anche il campo ad altre due dimensioni dell’Arte: una educativa, tesa, non solo a cogliere l’attimo, ma anche a incentivare il confronto intellettuale; e l’altra democratica, intesa come manifestazione di libertà, in quanto l’artista, con la propria opera, esplicita il proprio libero pensiero che, nel momento in cui assume carattere pubblico, diventa oggettivo e dunque di ciascun uomo. Interessante è anche la produzione incisoria: l’artista lascia il pennello per adoperare il bulino (lo strumento usato per incidere), e ricerca le tecniche più antiche e più dimenticate, riproponendocele come mezzo, mai desueto, per manifestare le proprie concezioni. Emerge un ritratto d’artista in cui intellettualismo e dimensione sociale si sposano con l’interiorità e la sensibilità femminile, creando un connubio tra Arte e Umanità, il cui fine è di rendere l’essere umano consapevole delle proprie potenzialità e della propria libertà morale.
Siro Perin
E’ a questo punto che inizia ad emergere il rapporto sopra indicato. Sembra quasi che l’artista non tanto scolpisca la materia, sebbene siano in lui presenti i canoni tradizionali della lavorazione scultorea di matrice greca i quali prevedono l’uso di mazzuolo, scalpelli, raspe, quanto ripulisca con un panno il blocco di legno o di marmo dal materiale superfluo che nasconde la forma da lui cercata. Ma cosa emerge dal suo togliere? E’ la forma stessa, che si concretizza e si sostanzia divenendo soggetto vero e proprio. Non si ricerca una rappresentazione narrativa fine a se stessa ma una concretizzazione formale pura ed ideale. Perciò l’opera fluttua nello spazio ed è percorsa dalle dinamiche dei pieni e dei vuoti o dei piani inclinati, smussati, arrotondati, armonicamente raccordati, e travalica la percezione visiva per divenire corpo vivo che dialoga con il vuoto circostante. 
La forma-soggetto progredisce poi accostandosi al concetto di figura umana: essa viene trasformata dall’artista in un archetipo dai tratti antropomorfici, fondendo la pura forma ideale con la dimensione naturale del corpo umano. E, per concretizzare tali propositi, G.F. Tramontin guarda alla cultura ed all’arte greca, come mostrano numerose sue sculture, già a partire dai titoli (“Efebo” del 1990, “Nereide” e “Ninfa” del 1991, “Tersicore” 2007). Attraverso questo percorso, egli recupera il concetto scultoreo di torso o di busto: esso è inteso come una sorta di simbolico resto archeologico, che, se da un lato rimanda mentalmente alla scultura greca, dall’altro diventa sul piano visivo, grazie all’assenza delle estremità “spezzate” (testa, piedi e mani), funzionale alla realizzazione di una forma armonica, chiusa e concentrata rappresentativa della perfezione della figura umana. Le parti anatomiche vengono delineate e stilizzate, secondo una modalità che toglie, arrotonda, leviga e addolcisce il materiale, creando ritmi sinuosi e ammantati di essenzialità, purezza, equilibrio d’insieme. 
Tutto per giungere così ad una iconografica priva di ogni artificio, ma sempre antropologicamente leggibile, in cui le membra vengono trattate dolcemente, con lievi spessori dagli effetti chiaroscurali, o delineate da sottili solchi che sembrano ricordare il morbido, quasi pittorico, stiacciato donatelliano. Nasce così una plasticità d’insieme che fonde estetica e concettualità e che, sottilmente ritmata da melodiose increspature della materia, tende ad un crepitante pathos. Infine, la forma armoniosa e coesa che si genera da questo percorso, conquistandosi un proprio posto nel vuoto, si muove, si torce, si inarca e si protende nel vuoto senza contrappunti nè cesure, stabilendo un colloquio con la luce e con l’atmosfera che la circonda e perciò con il fruitore che la osserva. Il colore, le venature, il trattamento di rifinitura lucida o opalescente del materiale contribuiscono ad aumentare il dialogo tra forma e spazio: l’osservatore viene talmente attratto delle rilucenze e dai riflessi della scultura che non può fare a meno di volerla toccare per coglierne appieno la perfezione ideale che da essa scaturisce.
Se la vita ci ha trattato in modo veramente rapace, prendendoci quanto poteva di onori, gioie, seguaci, salute e proprietà di ogni genere, forse poi si scoprirà, dopo il primo spavento, di essere più ricchi di prima. Infatti solo allora si sa che cosa è tanto nostro da non poter essere toccato da nessuna mano predatrice: e forse si uscirà da ogni saccheggio e scompiglio con la signorilità di un grande proprietario terriero.
